Культпоход

Философия дизайна

Вам понравился материал? Поблагодарить легко! Будем весьма признательны, если поделитесь этой статьей в социальных сетях.
Художник, архитектор и писатель Вячеслав Костюченко рассказывает о философии и истории дизайна

Что такое дизайн вообще и предметный дизайн в частности? Является ли дизайн искусством, а дизайнер – художником? Где зародился дизайн, и для чего он нужен? На этот и многие другие вопросы вы найдете ответы этом увлекательном экскурсе в историю и философию дизайна от Вячеслава Костюченко.

Меня часто спрашивают, а что же такое дизайн? Причем совершенно разные люди и очень часто – с нулевой подготовкой. Как рождается образ? Как мыслит дизайнер? Давайте вместе попробуем разобраться в этом вопросе.

Когда человек русскоговорящий, мыслящий по-русски, встречает в своем обиходе слово или слова, имеющие иностранные корни, в голове у него не всегда сразу возникает требуемый образ. У нас с вами часто совершенно неосознанно появляется некое благоговение, удивление, которое так точно было подмечено в фильме великого Леонида Гайдая: икра заморская, баклажанная. И слово дизайн у русского человека до сих пор вызывает именно такие чувства. Многие дизайнеры, особенно молодые, не без успеха, надо отдать им должное, используют этот эффект от названия своей профессии.

Является ли дизайн искусством? Безусловно, да. Но это явление, скорее всего, следует отнести к высшим проявлениям творчества человека. Несмотря на то, что дизайн во все времена имел всегда исключительно прикладное значение, в основе любого направления в дизайне лежала и будет лежать эстетика.

Раскроем значение данного слова: эстетика /от др.-греч. αίσθάνομαι – чувствовать; αίσθητικός – воспринимаемый чувствами/ – наука о неутилитарном созерцательном или творческом отношении человека к действительности, изучающая специфический опыт ее освоения, в процессе и в результате которого человек ощущает, чувствует, переживает в состояниях духовно-чувственной эйфории, восторга, неописуемой радости, блаженства, катарсиса, экстаза, духовного наслаждения и свою органическую причастность к Универсуму в единстве его духовно-материальных основ, свою сущностную нераздельность с ним, а часто и конкретнее – с его духовной Первопричиной, для верующих – с Богом. Термин «эстетика» употребляется в современной научной литературе и в обиходе и в ином смысле – для обозначения эстетической составляющей культуры и ее эстетических компонентов. В этом смысле говорят об эстетике поведения, деятельности, спорта, обряда, ритуала, какого-либо объекта и т. п. Термин «эстетика» был введен немецким философом Александром Баумгартеном: он обрел свое нынешнее значение в его диссертации «Mediationes philosophicae de nonnullis ad poema pertinentibus» в 1735 году. Однако его более позднее определение в «Эстетике» (1750 г.) считается первым определением, которое относится и к современной эстетике.

Итак, любой дизайн есть воплощение наших с вами чувств и всегда воспринимается при помощи чувств. Помните, как когда-то давно нам с вами говорили наши родители, а потом и мы сами стали говорить нашим детям: «Ну-ка, почувствуй, пошевели ножкой, удобные ли ботинки? Не жмут, не давят? Пальчикам в них не больно?»

В основе любого дизайна всегда лежал и будет лежать конечный потребитель, его удобство и его комфорт, его чувства. Или… и тут я хитро подмигну маркетологам, или же ощущение, иллюзия этого комфорта.

Одним из весьма важных умений современного дизайнера является помощь в выборе той или иной вещи и устранение, прежде всего, внутреннего чувства неуверенности в процессе этого выбора. Покупатель должен получать максимум удовольствия от своего выбора, и пусть даже этот выбор сделал не он сам, а его методично и последовательно подвели к этому решению, он все равно должен полностью и до конца быть уверен в том, что это именно его выбор, и он абсолютно правильный. Хороший дизайнер должен всегда отменно чувствовать человека, ведь именно для него он и творит. Дизайн – это не живопись, где самовыражение художника стоит на первом месте, дизайн – это, прежде всего, гармония взаимосвязи вещи/предмета/интерьера и человека.

С чем можно сравнить хороший дизайн? Что касается меня, я смело могу сравнить хороший дизайн со стоматологией, с реставрацией и протезированием зубов: тут, как и в дизайне, есть цыганщина, и есть великая работа, великое вдохновение мастера, причем мастерство настолько естественно, что мы порой его даже не замечаем, вот что удивительно! Все настолько хорошо, настолько выверено и на своих местах, что по-другому и быть совершенно не может. Костюм только тогда хорош, когда он сшит по фигуре, а предмет – когда он естественным образом идеально ложится в руку.

Мы с вами порой удивляемся, почему очень часто мы так великолепно себя ощущаем в старых зданиях, построенных еще до начала ХХ столетия – века великих перемен. Мы восхищаемся их гармонией и великолепием, их утонченностью и одухотворенностью, а все потому, что в конце XIX и начале ХХ столетия еще не использовали повсеместно метрическую систему измерений. Практически во всех странах в ходу была система измерений, напрямую связанная с бионикой, с телом человека, его естественными пропорциями и размерами, его биоритмами. Не было ни сантиметров, ни метров, ни миллиметров. Вы скажите: ну полная ерунда! Все, абсолютно все, можно перевести в сантиметры метры и миллиметры, и если что – то округлить. Интересно, а откуда тогда иногда берутся мозоли от новой пары обуви!? Нам, нашему организму просто не хватает этих тысячных долей миллиметра, и мы с вами ощущаем дискомфорт, который толком то и объяснить не можем. Так же, как и не можем объяснить весьма многие процессы, происходящие в нашем с вами собственном организме. Так как же быть, что делать, спросите вы меня? Ну, слава Богу, есть еще дизайнеры, и есть ручной труд, где ошибка мастера, та самая погрешность в один или два микрона делает предмет или интерьер более живым, жизненным, теплым, совершенным для нас и нашего с вами комфорта, для нашего мировосприятия. Именно эта ошибка часто исправляет машиноподобный размер, приводя все вещи в гармонию с человеком и его природой.

Существуют законы природы, законы физического тела, так называемая природа вещей. Так или иначе, она будет всегда главенствовать в создании человеком любых предметов. Вода естественным образом всегда течет сверху вниз, и, чтобы кратковременно заставить ее течь вверх, необходимо предать ей определенное ускорение, создав определенное давление в трубе водопровода. Вступают в силу законы гидромеханики, и при разработке любого смесителя или душевой лейки этот фактор учитывается.

Дизайн – это всегда нечто большее, чем простое украшательство предмета, это наука, и без знания многих свойств и качеств материалов, воздействия на них окружающей среды и их, в свою очередь, на окружающую среду в нем никуда. Нужно весьма основательно владеть массой знаний, умений, навыков, чтобы не просто разбираться, а уверенно творить.

Да бывают, и ХХ столетие это убедительно нам доказало, весьма коммерчески успешные дизайнеры, но коммерческий успех практически в любом виде творчества, особенно на западе, – это, прежде всего, заслуга маркетологов, их и никого более. В нашем с вами мире сейчас просто засилье одноразовых вещей, машин, обуви, одежды, домов. Техническая революция, которая происходит на наших с вами глазах, практически в одночасье сметает тысячелетние ценности, подчас нарушая великую гармонию мира, человека и природы.

Конечно, для масштабного международного развития технического прогресса крайне невыгодно иметь разные системы мер, основанные на индивидуальных особенностях того или иного народа, какие-то там футы, мили, аршины. Невозможно объединить усилия, стандартизировать, сделать международными производства того или иного продукта, даже транспортные перевозки во многом сделать и то затруднительно. Но будет ли подходить стул, который сделал под себя долговязый голландец, японцу небольшого роста? И тут включаются компромиссы, опции за отдельную плату, такие как, допустим, регулировка руля по высоте и вылету в автомобилестроении, которые оптимизируют вещь под конкретного пользователя. Но все равно вершиной дизайна как искусства является и будет являться работа на индивидуальные особенности конкретного человека, его анатомических пропорций, вкусовых предпочтений, личного удобства эксплуатации предмета/вещи/интерьера. Прорыв Apple был обусловлен интуитивно понятным дизайном, простым и запоминающимся функционалом, ну и, разумеется, яркой личностью лидера, который и определял будущее не только своей компании, но и во многом всей отрасли в целом. Именно индивидуальность, свой неповторимый стиль, как внешний, так и дизайна интерфейса, позволили компании надолго занять лидирующие позиции в мире компьютерных технологий.

Человек процентов на 80 состоит из воды – прекраснейшего проводника. И каждая клетка нашего организма излучает и воспринимает слабые токи, постоянно обмениваясь со всем организмом просто невообразимым количеством информации. Мне все равно, как отнесутся к моему следующему высказыванию ученые мужи, благо я не отношу себя к таковым, но хочу отметить факт того действия, которое мы все постоянно используем в нашей повседневной жизни. Это действие – ежедневный ритуал, который определенным, весьма действенным способом настраивает нас на работу. И чем экстремальное род занятий человека, чем больше нагрузки на его психофизическое состояние ему приходится каждый день преодолевать, тем больше у человека ритуальных суеверий, этаких маленьких магических якорьков, которые помогают связывать воедино порой такую весьма разрозненную картину мира. Кому-то важен первый утренний поцелуй, кому-то – чашка ароматного бодрящего кофе, кому-то – посмотреться в зеркало и при этом дотронуться указательным пальцем правой руки до мочки левого уха и топнуть левой ногой. Кто-то из нас практически не замечает этих наших повседневных маленьких ритуалов, кому-то они доставляют великую радость, кому-то – жизненную необходимость. Но, так или иначе, все мы зависим от наших ритуалов, от маленьких слагаемых нашего большого успеха, от нашего с вами тонуса и заряда, от нашей с вами любви.

Тут важно заметить, что, выбирая себе в попутчики вещь или предмет, начиная работу с кем-либо из дизайнеров, мы тут же начинаем впитывать в себя энергетику человека, создавшего эту вещь, и именно поэтому легкая рука мастера просто неоценима. Быстрее всего рука мастера чувствуется в поварском искусстве, искусстве парикмахерском и стоматологии. Любой материал в одном или нескольких своих состояниях под воздействием рук человека запоминает форму, которую ему придают. Любой материал имеет память. Так что же мешает материалу запомнить не только форму, но и эмоции, с которыми эта форма создавалась?

Создавать комфортную для жизни среду обитания есть великое мастерство, которому в принципе невозможно обучить машину, каким бы технически сложным искусственным интеллектом она не обладала. Для создания целостного образа современного интерьера очень важна роль отдельно взятых предметов, их умелое и гармоничное сочетание, когда внешняя форма и внутреннее содержание одного из предметов находит поддержку, как бы разговаривает с предметом другим. Это… как фотографии наших близких, наших родственников, наших давно ушедших бабушек и дедушек, которым ты улыбаешься, которых ты порой не замечаешь, но… без которых так одиноко и так грустно в этом самом прекраснейшем из миров.

Весь этот мир просто пронизан энергией, он состоит, он соткан из нее. Мы смотрим на природу, мы любуемся закатом и рассветом, полной луной и лунной дорожкой на морской глади, впитывая в себя всю прелесть, весь тот восторг, который ежеминутно дарит нам целый, огромный мир. Конечно же, в силу своей чувственности, лучше всего, сильнее всего природу воспринимают женщины. Каждую минуту нашей жизни происходит постоянное взаимодействие, мы смотрим на природу, природа смотрит на нас. Мы пальцем давим на стол, и стол с тем же самым усилием давит на наш палец. Мы улыбаемся, нам улыбаются в ответ. Мы грустим, и осень грустит вместе с нами. Природа, как самая заботливая Мать, всегда рядом, всегда чувствует нас и переживает за нас, своих, подчас таких неразумных, детей, ведь мы для нее всегда будем маленькими, неразумными, несмышлеными ребятишками, за которыми нужен глаз да глаз.

Какова мотивация художника, дизайнера, поэта творить? Ну, во-первых, – это действительно жутко интересно и необычайно увлекательно. Но и деньги тут играют весьма немаловажную роль. Творить всегда лучше с деньгами, и чем денег больше, тем легче происходит сам процесс творчества. Я не совсем согласен с С. П. Капицей в том, что гений творит только ради любопытства и ради интереса к самому творчеству как таковому. Сергей Петрович был весьма не чужд добротных, красивых и удобных вещей и обладал весьма неплохим вкусом. Учителя, художники, поэты, целители, философыы, ученые должны быть весьма обеспеченными людьми, если мы вообще хотим существовать как полноценный доминирующий вид, а не эволюционировать в дальнейшем в источники тепла и света.

Как рождается дизайн того или иного предмета? Мозг человека, художника взаимодействует с окружающей средой, постоянно анализируя форму, цвет, размер одушевленных и не одушевленных окружающих его предметов, работы великих мастеров прошлого, чье творчество пронизано большим теплом и любовью. Собрав воедино тысячи, миллионы картинок, мозг человека творческого приходит в определенную санацию, гармонию с миром, и в этот самый момент происходит именно то, что многие художники называют озарением, а мы с вами можем назвать это чувством любви, когда на душе светло, благостно, и ты испытываешь настоящий восторг от солнца, от мира, от воздуха, что переполняет в данную минуту твою грудь, ты просто не в силах сдержать той великой радости, что вдруг огромной волной накатила на тебя и понесла к еще неизведанным просторам вселенной. У художника в такие минуты рождаются самые прекраснейшие образы, и он лихорадочно, чтобы ничего не упустить рисует практически на всем, что есть в данную секунду под его рукой, пытаясь ухватить суть, сохранить ту великую Божественную гармонию, что вдруг открылась ему во всем своем первозданном великолепии и подарить ее людям. Именно так рождаются настоящие шедевры! И тут, русский человек, не умеющий рисовать /и не столь уж важно русский ли он еврей или русский татарин или же просто русский/, не в силах сдержать свой порыв или выразить как-то еще, материализовать нахлынувшую волну своего вдохновения, своего великого восхищения увиденным, пережитым, практически наверняка, выдохнув, скажет: «Эх… как же здорово-то! Здорово!!!!!!» И долгое эхо тут же подхватит и разнесёт по всем уголкам вселенной: ….твою мать… твою мать… твою мать…….

Итак, я думаю, из этого моего лирического отступления мы с вами поняли, откуда, из каких эмоций и чувств рождается вдохновение у художника, благодаря которому появляется на свет образ будущего предмета/вещи. 

Я, прежде всего, практик и бесконечно могу рассказывать о практическом применении тех или иных знаний для гармонизации жизни человека, но без расшифровки некоторых терминов, без относительно точных дат, без описания техник и материалов, используемых дизайнером в своей работе, мы едва ли с вами сдвинемся с места. Для понимания дизайна как, прежде всего, культурного явления, которым он, бесспорно, является, нам с вами имеет смысл разобраться, откуда произошло само слово дизайн, и что оно означает. Так же, я думаю, будет интересно понять, была ли у нас своя, русская школа предметного дизайна.

Итак, давайте попробуем пойти чуточку дальше.

Следует признать, что желание украсить свое жилище, предметы быта, придать им более совершенную форму существует столько же времени, сколько существует сам человек.

Мы изучаем свою историю и основываем свое суждение о том, как жили люди задолго до нас, опираясь на сохранившиеся предметы быта, украшения, архитектурные памятники и письменные источники, дошедшие до наших дней.

Первые известные широкой научной общественности на сегодняшний день теории о соотнесении красоты и пользы были изложены еще древнегреческими учеными Сократом, Аристиппом, Протагором, Платоном, Аристотелем.

Сократ разделял тезис антропологизма о том, что идею прекрасного следует соотносить с человеком, а не с космосом. Красота вещей действительно относительна (прекрасная обезьяна несопоставима с прекрасным человеком, а тем более прекрасным Богом), поэтому следует найти прекрасное само по себе, общее определение красоты.

Согласно Сократу, общий принцип красоты – целесообразность. Поскольку мир устроен разумно и гармонично /мир – это Космос/, всякая вещь в нем предназначена для какой-то цели, что и делает ее прекрасной. Так прекрасны те глаза, которые лучше видят, то копье, которое лучше летит и колет. Целесообразность при этом не означает полезности /это делало бы позицию Сократа прагматической/, целесообразность – это причастность вещи к благу. Благо же для Сократа – абсолютная величина, обусловленная устройством мироздания, благо – это и истина, и добро, и красота. Сократ выдвинул идеал калокагaтии /от греч. calos – красота, agathos – хороший/, т.е. совпадения добра и красоты в человеке. Злой нрав проявляется в дисгармоничной внешности, а внутренняя доброта проявляется во внешней привлекательности.

Поскольку прекрасное само по себе мыслится Сократом как идеальное совершенство, задачей искусства является подражание этому первообразу, а не природе. Художник отбирает лучшие, совершенные черты в окружающих его предметах и объединяет в идеальный образ. Вычленить первообраз и запечатлеть его – главная цель искусства.

Следуя за своим учителем Сократом, Платон /ок. 428—347 до н.э./ полагал, что задача эстетики – постичь прекрасное как таковое. Рассматривая прекрасные вещи /прекрасную девушку, прекрасную лошадь, прекрасную вазу/, Платон делает вывод о том, что прекрасное не содержится в них. Прекрасное – это идея, она абсолютна и существует в «царстве идей».

Приблизиться к пониманию идеи прекрасного можно, пройдя ряд ступеней:
рассмотрение прекрасных тел; любование прекрасными душами /Платон справедливо показывает, что красота – не только чувственное, но и духовное явление/; увлечение красотой наук /любование прекрасными мыслями, способность видеть прекрасные абстракции/; созерцание идеального мира красоты, собственно идеи прекрасного.

Подлинное постижение прекрасного возможно благодаря разуму, интеллектуальному созерцанию, это некое сверхчувственное переживание, т.е. эстетика Платона – рационалистическая эстетика. Стремление человека к прекрасному Платон объясняет с помощью учения об Эросе. Эрос, сын бога богатства Пороса и нищенки Пении, груб и неопрятен, но имеет возвышенные стремления. Подобно ему и человек, будучи земным существом, вожделеет красоты. Платоническая любовь /эрос/ – это и есть любовь к идее прекрасного; платоническая любовь к человеку позволяет видеть в конкретном лице отблеск абсолютной красоты.

Если для Платона прекрасное – это идея, то для Аристотеля (384—322 до н.э.) прекрасное – это идея, представленная в вещи. Идея вещи – это ее форма, когда материя оформляется, получается прекрасный объект /так мрамор, восприняв идею художника, становится статуей/.

Исходя из этого, Аристотель трактует искусство как деятельность, через искусство возникают те вещи, форма которых находится в душе. Согласно Аристотелю, сущность искусства составляет мимезис /подражание/, искусство подражает действительности, имеет миметическую природу. Однако это не слепое копирование, а творческое выявление типического, общего, идеального при обязательном воплощении его в материале.

На основании теории мимезиса Аристотель разделил искусства на подражательные и дополняющие природу. К последним относятся архитектура и музыка. Наибольшую ценность представляют те искусства, которые отражают действительность. Они, в свою очередь разделяются на искусства движения /временные/ и искусства покоя /пространственные/. Виды искусства можно различать и по средствам подражания /цвет, движение, звук/.

На сегодняшний день мы смело можем утверждать, что уже тогда многие великие умы того времени, возможно, впервые в известной нам истории задумывались о сходствах и различиях между искусством и наукой по их целеполаганию. И, конечно же, отдельное место в этом списке замечательных имен, работы которых актуальны во многом и по сей день, занимают трактаты Леонардо да Винчи.

По мнению некоторых исследователей, слово «design» в современном его значении окончательно сформировалось в XVI веке и однозначно употреблялось во всей Европе. Итальянское выражение «disegno intero» означало рожденную у художника и внушенную Богом идею – концепцию произведения искусства. Оксфордский словарь 1588 года дает следующую интерпретацию этого слова: «задуманный человеком план или схема чего-то, что будет реализовано, первый набросок будущего произведения искусства». В 1849 году в Англии вышел первый в мире журнал, имевший в названии слово «дизайн» — «Journal of Design», основанный государственным деятелем, художником-проектировщиком сэром Генри Коулом (он же выступал инициатором проведения Всемирной выставки в Лондоне 1851 года). В одном из первых номеров журнала было отмечено: «Дизайн имеет двойственную природу. На первом месте – строгое соответствие назначению создаваемой вещи. На втором – украшение или орнаментирование этой полезной структуры. Слово «дизайн» для многих связывается чаще всего со вторым, с независимым орнаментом, противопоставленным полезной функции, нежели с единством обеих сторон». Ричард Редгрейв, редактор

В более современном прочтении значения слова дизайн /disegno/ – рисунок, линейная графика, выполненная от руки, либо с помощью компьютерных программ, в которой точно выражена форма будущего предмета/вещи, его размеры, цвет, тон.

Предмет, вещь /бытового обихода, трудовой деятельности/ – это тело искусственного происхождения, имеющее размер, вес, массу, форму /простую или сложную/, цвет, так же предмет может иметь запах и вкус. Предмет может быть технически простым /преимущественно состоять из одного материала, иметь незначительное количество составных частей, либо не иметь их вовсе/ и сложным /иметь большое количество составных частей, изготовленных, в свою очередь, из разных по своим свойствам и качествам, материалов/.

Конструирование предмета/вещи – чертеж/изображение/ предмета, выполненный от руки либо с помощью компьютерных программ, в котором точно, понятно выражены: форма предмета, его размеры, материал изготовления предмета и его составных частей, включающий в себя пояснительную записку с подробным описанием самого предмета и его составных частей, технологией изготовления, способов обработки применяемых материалов, последующей сборки предмета /если предмет имеет сложносоставную форму/ а так же расчетом предполагаемых постоянных и переменных нагрузок, которые данный предмет/ его составные части/ должен выдерживать в процессе своей эксплуатации.   

Форма предмета/вещи, может быть: простой /состоящей из одной или нескольких соединенных между собой простых геометрических фигур/, или сложной /состоящей из множества соединенных между собой простых геометрических фигур и их взаимосвязей/.

Какие техники использовали и используют дизайнеры для того чтобы родившийся образ явился на свет, стал понятен, подготовлен к воплощению в материал? Давайте рассмотрим некоторые из них.

Disegno a matita – рисунок карандашом. Само название «карандаш» пришло к нам с востока и в переводе означает «черный камень» или «черный сланец». Некоторые исследователи считают, что история создания карандаша началась с XIV века, когда появился «итальянский карандаш», который представлял собой глинистый черносланцевый стержень, завернутый в кожу.

Сангина /фр. sanguine от лат. sanguis – кровь/ – материал для рисования, изготовляемый преимущественно в виде палочек из каолина и оксидов железа. Цветовая гамма сангины колеблется от коричневого до близкого к красному.

Сепия /лат. sepia, от греч. sepнa – каракатица/, светло-коричневое красящее вещество. Натуральная сепия изготовлялась из так называемого чернильного мешка морского моллюска – сепии. В XX в. сепия приготовляется искусственным путем. Сепией называется также вид графической техники, распространенной в Европе с середины XVIII в. /Ж. О. Фрагонар во Франции и др./.

Серебряная игла – название старинной техники рисунка, а также инструмента. Художник рисует на специально подготовленной поверхности /холст, пергамент, бумага/, используя кусочек серебра, заточенный с одной стороны и закрепленный в удобный для руки держатель. В эпоху Возрождения для грунтовки применялась костяная пыль /такая поверхность называлась carta tinta/, в настоящее время для этого используется также гуашь и гипс. Рисунок, сделанный серебряной иглой, получается вначале голубовато-серого цвета и постепенно, в результате окисления, принимает теплый коричневатый оттенок, создает тем самым изображение необыкновенной деликатности и утонченности. Со времен раннего Средневековья переписчики рукописей были знакомы с техникой серебряной иглы и использовали ее для письма на пергаменте и бумаге. В эпоху Возрождения она становится одной из самых популярных среди художников Италии, Германии и Голландии. Достаточно назвать таких признанных мастеров рисунка, как Ян ван Эйк, Леонардо да Винчи и Альбрехт Дюрер.

Соус – это мягкий материал для рисования. Он состоит из мела, сажи, каолина и клея. Соус – художественный материал для рисунков. Получил известность и стал широко использоваться в ХVIII – ХIХ веках. Использование соуса открывает широкие возможности в технике тонального рисунка.

Уголь – это старейшая принадлежность для рисования, которая не утратила популярности по сей день. Угольными карандашами и стержнями легко рисовать, к тому же рисунки, выполненные ими, отличаются выразительностью. Художественный уголь делают из жженых березовых и ивовых веток или из жженой виноградной лозы. Уголь из виноградной лозы рисует коричневато-черным цветом, а из ивовых и березовых веток - синевато-черным.

К современным техническим средствам работы дизайнеров можно отнести такие компьютерные программы как AutoCAD, ArchiCAD, Revit, V-Ray, Autodesk 3ds Max, Adobe Photoshop. Данные программы служат для создания изображения и последующей его обработке и являются мощным инструментом в руках главного помощника любого дизайнера – визуализатора. Именно от работы визуализатора зависит то, насколько выразительно будет смотреться на бумаге или экране компьютера будущая вещь/предмет.

Любой дизайнер должен уметь рисовать от руки, это великое умение не только позволяет быстро вносить изменения в любой проект, но и еще великолепно развивает память и абстрактное мышление. Любая мелкая моторика рук весьма благоприятно воздействует на создание прочных нейронных связей в головном мозге человека, тем самым способствуя не только продолжительности жизни, но и сохранению до глубокой старости ясного ума и твердой памяти, и об этом очень хорошо знали наши с вами бабушки.

Мозг практически всех людей устроен одинаково, поэтому дизайн – по своей сути явление международное, имеющее очень древние корни, начиная с первых гончарных изделий, палки, что когда-то в руки взял первый охотник и довел до совершенства, с первого каменного топора, с первых украшений, что когда-то давно, еще в незапамятные времена надела на себя первая женщина. Предметный дизайн – это практически наше все, он окружал, окружает и будет окружать нас повсюду покуда жив и будет жить человек.

В настоящее время некоторыми исследователями активно пропагандируется идея, что предметный дизайн – это чисто западное явление, которое пришло к нам совсем недавно, во времена буржуазных революций в Англии и Франции, но это далеко не так. Предметный дизайн, как я говорил уже выше, – явление международное, и существует он столько, сколько существует сам человек. Глупо было бы утверждать, что на территории Российской Империи не было замечательнейших художников, мастеров-ремесленников которые своими восхитительными изделиями не внесли бы огромную лепту в мировую историю предметного дизайна. Утверждение, что на огромной территории государства Российского никогда не было своей школы дизайна, сродни утверждению, что у русского, украинского, белорусского, татарского, узбекского, таджикского, армянского, азербайджанского, башкирского, бурятского, киргизского, еврейского и многих других великих народов и народностей, населявших и населяющих нашу Родину, никогда не было своей многотысячелетней самобытной национальной культуры.

Почему существует такая тенденция? Кому она выгодна?

Несомненно то, что любой институт, любая научная школа будет прежде всего пропагандировать себя и только себя, и при составлении рейтингов учебных заведений стараться как можно выше поставить именно свое название, хотя к науке это менее всего имеет отношение. Все это очень просто понять: чем выше рейтинг той или иной академии, института, тем большее количество абитуриентов предпочтет для получения своего образования данное высшее учебное заведение, тем будет больше грантов, больше субсидий от своего государства и частных лиц. Высшее заведение на собранные средства сможет привлекать на преподавательскую работу более известных специалистов, в том числе и зарубежных. При этом мы должны с вами понимать, что такие науки, как математика, физика, химия, биология достаточно чисты, и ученые занимающиеся исследованиями в этих дисциплинах, ограничены лишь бюджетом, поставленной задачей и собственным талантом исследователя. Но историческая наука всегда шла и будет идти рука об руку с политикой, потому как политикам для формирования того или иного общественного мнения необходимо на что-то опираться. Вполне естественно, что практически любой профессор никогда не пойдет против фундаментальных устоев своей школы и ни при каких обстоятельствах не подвергнет сомнению истинность полученных им знаний, иначе профессором чего бы он стал?! Да и собратья по академическому сообществу никогда ему этого не простят.

Культурное наследие, архитектура и дизайн есть неотъемлемая часть исторической науки. Потому что именно по архитектурным памятникам, украшениям, предметам быта можно достаточно точно утверждать, как жил народ на изучаемой территории в определенный временной отрезок.

Так же, как организм человека есть замкнутая, полноценная, самодостаточная система, где работа всех внутренних органов напрямую зависит друг от друга, и невозможно изучать, например, стоматологию без изучения строения всего организма, так и при изучении культурного наследия народа невозможно по отдельно выбранному направлению понять, насколько продвинутым было в определенный временной отрезок общество в целом. Для понимания того, как работал тот или иной мастер, ремесленник прошлого, нужно знать место проживания, условия проживания, среду проживания, насколько совершенным был язык народа, какой материал был самым распространенным в данный временной отрезок на данной территории, насколько были развиты технологии обработки тех или иных материалов, а для этого, помимо исторической науки, необходимо хотя бы самым поверхностным образом разбираться в физике, химии, математике и филологии.

Сейчас мы все чаще и чаще говорим о новых, прорывных технологиях, связанных с природоподобными технологиями, многие всерьез начинают заниматься исследованиями в области биорезонанса в архитектуре и дизайне, но всего лишь сто лет назад мы с вами отказались от природоподобной системы измерений, которая самым гармоничным образом увязывала соотношение мер длинны, времени и веса с телом человека. И это была именно русская система измерений, которая просуществовала не одну тысячу лет.

Бурные мировые политические потрясения XVIII – XIX веков, рост влияния буржуазии в обществе, прогресс в развитии технологий, массовое появление в архитектуре и дизайне таких материалов, как металл, доступное стекло, бетон, появление электричества – все это просто не могло не привести к изменению существовавших многие сотни лет технологий и существенно повлияло на рождение новых стилей, как в архитектуре, так и в дизайне, таких как ар нуво и следующего за ним ар деко. И тут невозможно не отметить триумф русской инженерной мысли и русского промышленного дизайна на Всемирной выставке 1900 года, которая проводилась в Париже с 15 апреля по 12 ноября 1900 года, где российская экспозиция занимала самую большую площадь в 24 000 м2. Символом выставки стала встреча нового XX века. Главенствующим стилем на выставке стал ар нуво. Чтобы понять мировую значимость этого мероприятия, достаточно знать, что за семь месяцев выставку посетили более 50 миллионов человек, этот рекорд с небольшим перевесом был превзойден только в 1967 году на всемирной выставке в Монреале. За время выставки российская экспозиция получила 1589 наград: 212 высших, 370 золотых медалей, 436 серебряных, 347 бронзовых и 224 почетных отзыва. Вся мировая пресса восторженно отзывалась о русском отделе. По итогам выставки французская газета «Liberte» написала: «Мы находимся еще под влиянием чувства удивления и восхищения, испытанного нами при посещении российской экспозиции. В течение немногих лет русская промышленность и торговля приняли такое развитие, которое поражает всех тех, кто имеет возможность составить себе понятие о пути, пройденном в столь короткий срок. Развитие это до такой степени крупное, что наводит на множество размышлений».

Судить о русской школе дизайна и великолепнейших русских мастерах можно по многочисленным высокохудожественным изделиям, таким как богато украшенное золотом и серебром самоцветными камнями оружие и доспехи, женские украшения, посуда, другие предметы быта, многие из которых можно увидеть в экспозициях Оружейной палаты, областных и краевых музеях нашей страны, а также лучших мировых музеях и частных коллекциях.

В связи с этим хочется отметить открывшийся в этом году в России музей «Собрание» Давида Якобашвили, где широко представлены Русская эмаль и Русский художественный металл таких замечательнейших производителей и мастеров, как Фирма К. Фаберже, Мастерские золотых и серебряных изделий М. Перхина, Мастерская А. И. Невалайнена, Мастерская Ю. А. Раппопорта, Мастерская Г.Вигстрема, Фабрика серебряных и бронзовых изделий А.И. Кузьмичева, Фабрика братьев Грачевых, Фирма П.А. Овчинникова, Фабрика по производству серебряных, эмалевых изделий Ф.Рюкерта, Фабрика золотых и серебряных изделий Г.Г. Клингерта, Фирма И.П. Хлебникова, Мастерская по производству золотых, серебряных и эмалевых изделий «Русская эмаль» И.С. Брицына, Третья Санкт-Петербургская художественная артель ювелиров, Фирма «Сазиков», Фабрика серебряных изделий В.М. Ашмарина, Золотых и серебряных дел мастер Г.Т. Самошин, Фабрика по производству серебряных изделий А.Т. Иванова, Фабрика П.П.Милюкова, мастер Кузов Семен Петрович, Фирма Э.Кортмана, Фирма О.Ф. Курлюкова, Фирма «Болин», Мастерская М.Линке и многих других прославленных русских фирм, мастерских и мастеров-самородков, вложивших свой уникальный вклад в великую историю русского предметного дизайна. На сегодня это одна из крупнейших частных коллекций мирового культурного значения, художественный фонд которой насчитывает порядка 20 000 экспонатов.

Технический прогресс, что так бурно всколыхнул Европу с конца 16 века, продолжающийся до наших дней, но так и не сумевший превзойти многие величественные сооружения древности, не мог начаться на пустом месте. Естественно, вследствие бурного роста промышленности, способов работы с металлами и их сплавами, последующей металлообработки, созданием первых паровых машин, а впоследствии двигателей внутреннего сгорания, появилось множество инструментов и технологий, позволяющих создавать уникальнейшие произведения искусства, но основой процесса создания, любого творческого процесса всегда был и будет человек, мастер. А в России талантливых самородков во все века было много. Вот только соответствующей поддержки от государства не было почти никогда.   

Одним из основных отличий предметного дизайна от промышленного/индустриального заключается в том, что предметный дизайн придумывает и воплощает в жизнь сам художник-дизайнер, либо художник и мастера, изготавливающие данную вещь/предмет под его руководством.

В промышленном /индустриальном/ дизайне, помимо художника-дизайнера, над созданием объекта работают: инженер-технолог, инженер-конструктор, маркетолог, логистик, экономист. И все эти люди жестко ограничивают свободу творчества художника-дизайнера, именно они задают такие параметры будущего изделия, как размер, материал изготовления, цветовая палитра, форма /простая или сложная/.

Первые промышленные дизайнеры появились еще в XVIII веке в Англии, что связано, прежде всего, с деятельностью Джозайи Веджвуда и развитием промышленного производства набивных тканей. Само определение «индустриальный дизайн» появилось в 1919 году благодаря архитектору из Германии Вальтеру Гропиусу, основавшему революционную школу индустриального дизайна «Баухаус» в Веймаре (Германия). После второй мировой войны индустриальный дизайн получил серьезное развитие в Скандинавии и Нидерландах. Примерно в это же время интерес к направлению высказали прагматичные американцы с целью увеличения продаж. В 1960-е годы направление стало настолько популярно в США, что была организована Коллегия Индустриального дизайна. В 1969 году член этой коллегии Томас Малдонадо дал весьма емкое определение индустриальному дизайну: «Индустриальный дизайн – это творческая активность, имеющая целью улучшать внешние достоинства объектов, производимых в промышленности».

И только в сентябре 1969 года на конгрессе Международного совета организаций по дизайну было принято следующее определение: «Под термином промышленный дизайн понимается творческая деятельность, цель которой – определение формальных качеств предметов, производимых промышленностью. Эти качества формы относятся не только к внешнему виду, но, главным образом, к структурным и функциональным связям, которые превращают систему в целостное единство с точки зрения как изготовителя, так и потребителя».

В середине XX века в профессиональном лексиконе для обозначения формообразования в условиях индустриального производства употреблялось понятие «индустриальный дизайн». Тем самым подчеркивалась его неразрывная связь с промышленным производством и конкретизировалась многозначность термина «дизайн». И многие трактаты по истории дизайна того времени в заголовках содержали уточнение «индустриальный дизайн». Затем, в конце XX века, проектно-художественную деятельность в области индустриального формообразования стали называть более кратко – «дизайн». Отчасти это связано и с тем, что общество вступило в фазу постиндустриального развития, произошли значительные перемены в целеустановках «индустриального дизайна».

Дизайн как творческий процесс можно разделить на: художественный дизайн – создание вещного мира сугубо с точки зрения эстетики восприятия (внешние проявления формы); техническую эстетику – науку о дизайне, учитывающую все аспекты и, прежде всего, –конструктивность (ранний этап становления), функциональность (средний), комфортность производства, эксплуатации, утилизации технического изделия и т. д. (современное понимание).

Идеи технической эстетики зародились в середине XIX в., задолго до появления промышленного дизайна. Английский теоретик искусства Дж. Рескин ввел (1857) понятие эстетически ценных продуктов производства. Он подчеркивал: поспешно создаваемое поспешно и погибает; дешевое в итоге оказывается самым дорогим; искусство бытовых вещей – основополагающее в иерархии искусств; машинное производство калечит изготавливаемую вещь, ее производителя и потребителя. Рескин предложил ретроспективную утопию: вернуться от дешевого машинного производства недоброкачественных товаров к ремесленному ручному труду. Эту идею поддержал английский исследователь У. Моррис, безуспешно пытавшийся создать современное мануфактурное производство. Как мы видим сейчас, идеи, которые в своих работах высказывали Дж. Рескин и У. Моррис, не были настолько утопичными, как это может показаться на первый взгляд. И отголоски этих замечательных идей мы с вами можем увидеть в американском и европейском автомобильном дизайне 40-х – 60-х годов XX столетия, а чуть позже – в развитии бытовой радиоэлектроники в 70-х – 80-х годах, в создании мало и среднеразмерных частных судов и яхт вплоть до настоящего времени. Эти идеи были востребованы и восприняты как лучшими мировыми дизайнерами, так и конечными потребителями – нами.

Наиболее сильной стороной советского промышленного дизайна является эстетика, что объясняется двумя принципиальными моментами: глубокими корнями русского предметного дизайна и особенностями, спецификой развития государства в XX веке.

В отличие от зарубежного дизайна, который возник из потребности промышленности каким-либо образом стимулировать сбыт товаров, советский дизайн является мощнейшим симбиозом, где, с одной стороны, находится многовековая традиция русских мастеров-ремесленников, а с другой – гений художников-конструктивистов. Художники и теоретики искусства начала XX века дали мощнейший толчок к возникновению и дальнейшему развитию советской дизайнерской школы. 

Hа первом этапе развития (1917-1922) дизайн формировался на стыке производства и агитационно-массового искусства. Основным объектом стало художественное оформление новых форм общественной активности масс: политических шествий и уличных празднеств. Оригинальная конфигурация и устройство трибун, агитационных и театральных установок, киосков доказали обоснованность переноса акцентов с разработки новых стилистических приемов на художественно-конструкторские проблемы. Наиболее интенсивно в это время развивается графический дизайн, что проявляется в принципиально новом подходе к созданию плаката, рекламы, книжной продукции.

В качестве основателей конструктивизма, чье творчество имело принципиальное значение для дальнейшего развития дизайна, можно назвать В. Маяковского, В. Татлина, О. Брика, В. Кушнера, позднее – Б. Арбатова, А. Веснина, В. и Г. Стенбергов, А. Гана, А. Лавинского, Вс. Мейерхольда, А. Родченко, В. Степанову, Л. Попову. Их центром стал созданный в 1919 году Совет мастеров, а позднее – ИHХУК и, главным образом, Рабочая группа конструктивистов ИHХУКа (А. Родченко, братья Стенберги, К. Медуницкий, К. Йогансон). Однако признание новой концепции формообразования пришло лишь в 1921 году, когда произошли определенные изменения в экономической ситуации. Так совпало, что именно этот год характеризуется наиболее активными и плодотворными пространственными экспериментами конструктивистов. Прежде всего, необходимо отметить деятельность первых «красных художников» (выпускников первых ГСХМ – Государственных свободных художественных мастерских), организовавших Общество молодых художников ков (Обмоху, 1919 – 1923). Оригинальные конструкции и теоретические манифесты К. Йогансона, братьев Стенбергов и К. Медуницкого подробно разобраны в книге С. О. Хан-Магометов «Пионеры советского дизайна» (М., 1995). Конструктивизм перерос производственное искусство, утвердив собственную эстетику и самостоятельные цели. Основным «противником», полемика с которым не ослабевала, остается супрематизм, основателем и идейным вдохновителем которого был Казимир Малевич.

Второй этап развития дизайна в России (1923 – 1932) можно считать временем становления его профессиональной модели. Россия становится одним из важнейших центров формирования дизайна. Происходит становление школы профессиональной подготовки дипломированных дизайнеров – производственных факультетов ВХУТЕМАСа.

Дизайн переориентируется на решение практических задач: разработку бытового оборудования для жилищ, обстановки рабочих клубов, общественных интерьеров... Производственный заказ пока не играет определяющей роли, и активной стороной остается сам дизайн, сохранивший энтузиазм изобретательства. Основная цель – организация предметной среды с учетом общих процессов в сферах труда, быта и культуры.

В этот период формируются оригинальные творческие концепции дизайна, определившие его дальнейшее развитие.

Третий этап развития советского дизайна пришелся приблизительно на период с 1933 по 1960 год. Несмотря на страшные годы огромных людских потерь, которые нашему многонациональному народу принесла Вторая мировая война, а до этого –братоубийственная гражданская война, советский дизайн в этот период весьма активно развивается, частично возвращаясь к дореволюционным классическим формам, одновременно впитывая в себя все самое лучшее, что давали миру индустриальные западные державы.

Прославляя трудовые подвиги советского человека, социалистическую действительность, русский дизайн и русская архитектура буквально за десять послевоенных лет вновь совершили небывалый, фантастический скачек буквально во всех своих направлениях. К концу 60-х годов была создана такая мощная школа по всем отраслям народного хозяйства, промышленности, науки и культуры СССР, включая архитектуру и промышленный дизайн, что впоследствии еще долгие годы наша страна успешно использовала мощный послевоенный старт в своем планомерном, поступательном развитии.

Четвертый этап развития дизайна определяется по-разному: 60-80-е или 60-90-е годы. Его начало характеризуется безусловным интересом к наследию 20-х годов. Созданный в 1961 году Всесоюзный научно-исследовательский институт технической эстетики ВHИИТЭ, начинает свою деятельность с издания журнала «Техническая эстетика» и выпуска тематических сборников, которые самым подробным образом обратились к первой волне русского авангарда, поставившей советский дизайн на одно из первых мест в европейской эстетике того периода.

ВHИИТЭ сумел сохранить теоретическую школу, продолжая изучать опыт европейского дизайна и предлагая свои концепции. Это ясно видно по информационным выпускам и журнальным публикациям. Огромный научный потенциал был также накоплен и в Ленинградском высшем художественно-промышленном училище им В. И. Мухиной. Их деятельность позволила уже в начале 80-х годов, когда запрос на дизайн резко вырос, сформулировать и обосновать типологическую матрицу современного дизайна, а также применить на практике собственные концепции, в частности – концепцию системного дизайна – возможного провозвестника эпохи единой проектной концептуальности.

Одним из ярких направлений промышленного дизайна практически со дня зарождения этой дисциплины является автомобильный дизайн. И очень отрадно осознавать то, что именно русские дизайнеры и русская школа автомобильного дизайна является одной из самых сильных и востребованных в мире. Например, в BMW есть четыре направления, и в каждом из них работает россиянин: экстерьеры, интерьеры, мотоциклы и промышленный дизайн. Михаил Климов успешно рисует баварские салоны. По мотоциклам там работает Евгений Жуков, в промдизайне трудится Евгений Маслов. BMW – компания с самым большим представительством россиян, задействованных в разработке дизайна, а Renault-Dacia до сих пор устанавливает рекорды продаж кроссовера Duster, концепт которого когда-то нарисовал выпускник Московского Политеха.

Один из выдающихся дизайнеров современности Владимир Ярцев работает в Бельгии, где еще в начале 1990-х он основал Yartsev Design – компанию, которая специализируется на промышленном дизайне и сотрудничает с крупными европейскими брендами. Большинству из нынешних клиентов Ярцева невдомек, что в конце 1980-х он нарисовал один из известнейших российских автомобилей – ВАЗ-2110.

Ернест Царукян стажировался МАМИ и защищал диплом в Audi. Из тех проектов, над которыми он работал, и которые были показаны широкой публике, можно назвать Audi Quattro Concept парижского автосалона 2010 года, Audi A1 и Lamborghini Aventador. С 2012 года работает в студии BMW над внешним видом будущих автомобилей. Арсений Костромин, выпускник МАМИ. Работает на румынскую Dacia. Когда он там работал над дипломным проектом, его руководитель буквально заставил нарисовать проект кроссовера, который в итоге взяли в работу. Концепт Duster, показанный в Женеве в 2009 году, создавался по эскизам Арсения. Сейчас Арсений работает дизайнером экстерьеров в студии Volkswagen в Потсдаме.

Евгений Ткачев закончил МАМИ. Во время учебы в институте Евгения приглашают для стажировки в Volkswagen AG. После 6 месяцев работы в Германии пришло приглашения от Mazda. Потом Евгений работал над фейс-лифтом Dacia Duster, который продается в Западной Европе. Александр Селипанов работает в «Фольксваген Групп» уже десять лет. Около года назад дизайнер перешел в компанию Bugatti (входит в концерн) – известного производителя самых быстрых серийных автомобилей в мире. С 2008 года и по сей день Селипанов тоже участвовал в проектах для этого люксового бренда.

Современное представление о дизайне в цивилизованном мире рассматривается гораздо шире, чем промышленное проектирование. И действительно, в любой области созидательной деятельности человека, будь то искусство, строительство или политика, мы всегда будем сталкиваться с понятием дизайна.

Вам понравился материал? Поблагодарить легко! Будем весьма признательны, если поделитесь этой статьей в социальных сетях.
Имена
На связи!
Хотите получить ещё больше информации?
Нет ничего проще!
Звоните по телефону:+7(495)517-5335

НОВИНКИ: Красивый
частный интерьер (663)
, Общественные интерьеры (224)